Inside_the_White_Cube _ by Brian Doherty

Comienza con esta descripción de la galería y como su uso ha ido cambiando con el tiempo.
Duchamp comienza con esto de explotar el uso de la galería de formas no antes utilizadas, como en su obra 1,200 Bags of Coal en donde pone bolsas de carbón en el techo, utiliza el techo como si fuera el piso y viceversa.
Se cuestiona todo esto de si en realidad son 1,200 bolsas, es decir ¿quien asegura que no son menos? Sin embargo se cree esto.
Ya plantea la idea de la galería y jugar con esto. En otros ejemplos esta esto que hacia de jugar con los espectadores al crear como laberintos dentro de la misma galería al poner puertas hacia otros lugares y hacia el mismo lugar.
Después con una de sus obras con las que rompe y jode este sistema de la galería, el rol que juega el espectador y el acomodo de las obras es con su obra Mile String, en la que entrelaza y hace una telaraña con hilo por toda la galería, delimitando, marcando, bloqueando espacios.
Es como una burla hacia la burguesía, puesto que esta marca y acomoda el mismo arte. Vaya forma todo, el gobierno, la escuela, los mismos museos y el acomodo del arte que va dentro.
Limita al espectador, le marca lo que puede ver, hasta donde ver, como verlo.
Nos dice como la misma galería se vuelve este espacio creado y codificado perfectamente para dividir niveles sociales.
- La galería es exclusiva
- La galería es cara
- La galería es difícil de comprender

Se torna un espacio social, económico y de intelecto snob.
La burguesía se adueña de esto, del arte, del artista y del mismo espectador.

También se habla sobre esta relación del espectador y el artista, esta manera de encabronar al espectador, como lo que hizo Duchamp en Mile String y que en cierta manera el artista se ve obligado a hacer esto ¨picar¨ o jugar con el espectador y con ¨su espacio¨.

Después de esto en los sesentas y setentas, comienza a cambiar el espacio de la galería.
Iyves Klein comienza con esto de limpiar el espacio al grado de dejarlo como una clínica, tan limpia, tan vacía y realiza esta obra ¨The Void¨ en donde muestra la galería sola y blanca, desnuda.
Se muestra la galería en si como obra, después de esto se realiza una obra contradiciendo esto y sobrecargando el espacio con basura, saturándolo.
Esta obra es de Armand P.Arman ¨Le Plein¨.

La pintura v.s. la instalación. La pintura se vuelve se vuelve una ilusión en 2d, la instalación igual es una ilusión, pero en 3d.
La galería carga con ilusiones.

Perpecion_ (instalacion_performance)

Al haber intervenido en el espacio del campus Cedim, colgando por 3 horas un acrilico y pegarle pedazos de papel albanene y de plastico al acrilico, le pedia a las personas que pasaran sin hacer una selecion de estas especifica que me dibujaras atravez del acrilico, ya fuera en el papel o en el plastico.

Para este performance dependi de los objetos utilizados y de mi interaccion con el publico. En donde jugue con la percepcion de estas personas al dejar que libremente me dibujaran en la posicion que quisieran la parte superior de mi cuerpo.
Fueron alrededor de 35 dibujos y cada uno es mas diferente y unico.
Cada persona me dibuja con ciertos rasgos, algunos acentuando algunas caracteristicas de mi cara como el pelo, perforaciones, etc. y otros quitandolas, e incluso partes de mi cuerpo como lo son el cuello y el pecho.

Tambien deje libremente a las personas seleccionar el color con el que me dibujaban. Siendo los colores mas utilizados el negro y el azul, color con el que me asociaban mas.

Orlan_

Cuando la joven y brillante escritora Mary W. Shelley escribió dando vida -a sus 19 años- a este moderno prometeo: Frankenstein, estaba dándo(se) vida a ella misma en su otredad, al terrible monstruo de la diferencia (cualquiera que ésta sea) y al que la sociedad rechaza con horror de sí misma.

Estoy segurp que si alguna vez le hubiesen inquirido a Shelley sobre el modelo humano o mitológico en que se basó para escribir una de las historias más escalofriantes, hubiera contestado como Flaubert con su Madame Bovary: “Frankenstein soy yo”.

En el caso de Orlan, artista del performance, el “monstruo” es ella misma. Y ella misma “se da vida” a través de transformaciones performáticas donde su cuerpo es el espacio vital y entrañable para modelar(se), para reensamblar(se), para reconstruir(se), para diseñar(se) en libre albedrío, en contra de las imposiciones estéticas con que la sociedad de consumo nos tortura a las mujeres, a través de procesos dolorosos y humillantes que atentan contra nuestra salud física y mental.

Ejemplos de ello son, entre muchos otros, los famosos “corsés” que fracturaban costillas y dejaban sin aliento, o las fracturas de los pies de las chinas para que “cupieran” (chiquititos) en una mano masculina (sin importar el dejar baldadas a las muy “femeninas” dueñas de estas “preciosidades”) o las liposucciones y otras cirugías actuales de senos, de narices, de nalgas, de muslos, de orejas, de piel, cabello y ojos, para “colorearlos” y vernos cada vez más blancas, más rubias, más altas, más delgadas, con ojos claros (como de princesas imposibles), colonizando –para ello- a nuestros generosos cuerpos latinos a través de dietas que nos integren socialmente como mujeres que han “diseñado” su imagen y que son, por lo tanto, exitosas.

Hasta el presente, solamente podemos cambiar de apariencia; tal vez próximamente, con la manipulación genética, podremos cambiar totalmente y la metamorfosis ya no será un mito sino una realidad.


Orlan, trabaja con el arte corporal. Su obra implica una denuncia contra las presiones de una sociedad fetiche-consumista que impone arquetipos físicos de una estética "correcta" sobre el cuerpo. Ella ejecuta sobre su propia imagen una "puesta en escena", un performance de operación quirúrgica estética.


Orlan ha convertido su cuerpo en objeto de creación, a la búsqueda siempre de la denuncia y la provocación.


Orlan es transgresión y autodeterminación; cuerpo propio e identidad, han sido los principales motivos de la artista francesa. Fuga radical de la naturaleza en un acto subversivo que desmiente las diferencias de los sexos para desembocar en la androginia. La artista no acepta renunciar a nada, quiere convertirse en su propia madre y en su propio producto, demuele la frontera de los sexos, niega la falta, no hay carencia, ni muerte.

Marina_Abramovic

Marina Abramovic es una mujer comprometida, valiente y siempre desafiante.
Es una de las artistas que mejor ha sabido establecer una perfecta simbiosis entre el arte y la vida. Su trayectoria artística y su propia experiencia vital corren de la mano y son absolutamente inseparables. Su arriesgado e intenso trabajo en del performance y el body art, que practica desde la decada de los setenta, le han convertido en una de las artistas internacionales más significativas de las últimas décadas.

Marina se centra en el uso de su cuerpo y su mente, llevandolos al extremo y a situaciones en las que se encuentra al borde o al limite de su desgaste, en ocasiones con la ayuda de su pareja, utilizando su relación para realizar los performances. A través de sus performances, ha llegado a explorar con coraje y pasión los límites del dolor, la resistencia física y psíquica, llegando en alguna ocasión a poner en peligro su propia vida, el miedo, la incomunicación o la soledad, siempre en presencia de público, que ella considera como parte activa y necesaria de su obra.
En los últimos años, la artista ha producido sus acciones en vídeo para luego exhibirlas como videoinstalaciones, las cuales estan mas basadas en ¨teatro¨ o esta teatralidad.

James_Luna

James luna es un indígena y vive en la reservacion de La Jolla.
Luna considera que el arte de instalación y performance, que emplea una variedad de medios tales como objetos, vídeo, etc. ofrece una oportunidad única para los aborígenes para expresarse sin concesiones en las formas artísticas tradicionales de la ceremonia, la danza, las tradiciones orales, y el pensamiento contemporáneo. Sus instalaciones son como la transformación del espacio de la galería en un campo de batalla, en el que el público se confronta con la naturaleza de la identidad cultural, las tensiones generadas por el aislamiento cultural, y los peligros desde la perspectiva indígena.

Por el uso de objetos encontrados y usados, luna crea ambientes que funcionan como quejas tanto estéticas como políticas.

En sus performances e instalaciones, luna trabaja con la mitología del significado del indígena en la sociedad contemporánea en Estados Unidos y presenta esta hipocresía de la sociedad que somete a los indígenas como estereotipos románticos. El arte que produce luna es en parte provocador, pues se basa generalmente en los asuntos que afectan a las comunidades aborígenes, tales como los problemas socio-económicos, las adicciones, y los conflictos culturales. Luna nos muestra estos temas de manera directa, recurriendo al humor y a la sátira.
Algo que es interesante es que al contar con la participación del público en sus obras, luna desafía a los espectadores a que examinen sus propios prejuicios, se vuelve necesaria esta participación del publico.

Sick - Bob_flanegan

Bob Flanagan, nació enfermo de fibrosis cistica, la cual a pesar de ser una enfermedad considerada mortal y que deja a sus victimas vivir poco tiempo, a Bob Flanagan le permitio desde 1952 hasta 1996, dándole una vida promedio a pesar de su enfermedad.
Bob es un masoquista, y sus obras consisten en estos actos de el llevando al limite el dolor y el placer sexual que experimenta para expresar su forma de ver la vida.

Es interesante como en Sick podemos ver la forma de pensar, vivir y experimentar de este hombre con su cuerpo y esa energía sexual, ya que generalmente eso esta mal visto por la sociedad, el nos lo demuestra desde una perspectiva que aunque es cruda, es noble y sin perversiones ni mascaras a la vez.
Ademas, Bob cuenta con libros escritos por el, que narran sus experiencias sexuales, y el porque la relación de el hacia estos actos masoquistas.
Me pareció simplemente asombroso la forma en que este hombre rompe con estos tabues y paradigmas en la sociedad, y de como el defiende su forma de pensar y sentir, es decir tal vez para muchos les parezca grotesco o en contra de la religión incluso debido a esto de ¨lastimar tu propio cuerpo¨, pero como el mismo lo dice...¿que acaso Jesús no fue el primer masoquista famoso al ser crucificado?
El hombre cuente con un sentido del humor, que supongo ayudo en gran parte de su vida a poder manejar su enfermedad, y hablando de esta, el mismo hecho de como Bob, una persona ¨enferma¨, sin embargo realiza actividades físicamente riesgosas.
Es como una forma de aprender a manejar y manipular el dolor al grado de en lugar de sufrir, disfrutar de este, cosa que le ayudo para sobrellevar su enfermedad.

La relación con su esposa fue algo muy importante también, ya que ella lo ayudo en la mayoría de sus actos masoquistas, al dominarlo y compartir con el todo este proceso de su vida de placer y dolor al mismo tiempo.
Creo incluso que si no hubiera conocido a esta mujer, hubiera influido mucho también en su carrera y vida, ya que ella le dio un empuje a realizarlos.

Los dejo con el link a su poema en el que explica el porque de su masoquismo ¨WHY¨, que es totalmente grandioso.


http://www.youtube.com/watch?v=9f6V2LefAi4

Negacio_N (video_performance)

Con el hecho de ser humanos, somos limitados por muchas barreras, ya sean físicas, mentales o emocionales, entonces caemos en una negación propia de estas y seguimos insistiendo en cruzar esas barreras o ¨paredes¨ ante nosotros.
En muchos de los casos estas barreras nos desgastan, pero la misma negación nos bloquea a seguir insistiendo.

Al querer atravezar un muro de concreto que obstruía mi camino, no paso a un lado de este, ni lo ignoro, sigo en mi camino hasta causarme desgaste físico y mental.
Se vuelve una lucha además de lo material (construido por el mismo hombre, es decir nosotros mismos construimos en este caso ese muro de concreto, lo que nos bloquea) contra lo mental, puesto que físicamente no podía pasarlo y mi cuerpo se lastimo en intentarlo, pero mi mente insistía en pasarlo.

Allan_Kaprow : ensayo de lectur_a

Empezare con una breve introducción sobre los términos a los cuales hace referencia la lectura:

Happening, es una manifestación en donde las acciones surgen espontáneamente, sin previa organización, en donde el tiempo de duración varia y cuando estos concluyen, su repetición es irrepetible, a largo de la lectura, se explican los diferentes tipos de happening y como fue naciendo por el padre de esta manifestación considerado por muchos, John Cage, y su discípulo Allan Kaprow.
En cuanto al Performance, viene siendo el heredero del happening, actions, fluxus y body art, y tubo su auge en 1970.
Se le considera el arte conceptual contemporáneo y puede ocurrir en cualquier lugar, cualquier duración e iniciarse en cualquier momento. A diferencia del happening, este si tiene una previa preparación y en algunos casos se ensaya, para obtener el resultado requerido.

Ahora haciendo una breve introducción hacia el artista, se podría considerar mas importante del happening, Allan Kaprow.
El creo y desarrollo esta manifestación en su totalidad y le dio un fuerte auge con su obra ¨18 happenings in 6 parts¨, en la cual realizo una compleja serie actividades de artistas europeos y norteamericanos en el cual se consideraba el arte no podía desligarse de la vida y el espectador formaba parte de la misma obra de arte.
Aunque inicio con pinturas de expresionismo abstracto, abandono esto para concentrarse en sus happenings, los cuales se llevaban acabo en diversos lugares, y generalmente cotidianos como departamentos, gimnasios, almacenes, etc.
Sus obras se dedicaban a hacer gestos que pasaban desapercibidos y que a la vez involucraba a los participantes.

Sobre la lectura en si, lo que considere mas importante fue sobre esta descripción de los happenings y la fina línea que existe entre la cotidianidad.
Además de cómo el happening debe desligarse de todo previo roce artístico, lo cual considero, algo irónico, debido a que el happening al realizarlo se convierte en arte desde mi punto de vista, y a la vez quiere alejarse de esto.
Además algo que me parece curioso es como te habla que el happening no debe de tener previo análisis, entonces..¿ que te asegura que saldrá bien si no lo analizas y lo planeas bien?. Vaya, en cierto modo lo considero algo, si no es que el movimiento mas riesgoso.

También en como al pasar el tiempo, ya casi a finales de los 60s, el happening comenzó a perder valor, por esto mismo, por su misma cotidianidad, las personas comenzaron a realizar cualquier cosa con pretexto de crear arte, de darle valor a los gestos cotidianos.
Por ejemplos estos grupos de rock que tocaban, los grupos religiosos, políticos e incluso comerciales.

Y para poder romper con esto, se comenzó con ciertas clasificaciones del happening, los cuales consistían en:
El Night Club, en la cual se juntaba a una pequeña audiencia en un espacio intimo, en donde se tocaba jazz, tenían relaciones, proyectaban películas, cambios de color de luz, recitaba poesía, etc.
El segundo es llamado Extravaganza y se llevaba acabo en escenarios o lugares capaces para mayor audiencia, en donde se interpretaban papeles de obra, con actores, poetas, bailarines, etc.
El siguiente es el Event, en donde que se lleva acabo en un teatro y son acciones como ver prender y apagar una luz, ver a un hombre en el escenario caminar una, dos, tres veces.
Otro tipo es el Guided tour, en el cual personas seleccionadas eran llevadas a través de la ciudad, entre edificios, parques, patios, tiendas, etc. Se les da instrucciones a estas personas, observan cosas en estos lugares, les es leído y por medio de esto descubren cosas.
El quinto consiste en una sugestión literaria mediante la escritura de pequeñas notas, y se crea meramente en la mente del que lo realiza o vaya lee estas acciones.
El ultimo y que en lo personal me causa mas conflicto es el Activity, en el cual caen las acciones meramente cotidianas como ir al supermercado, escalar una montaña, demostraciones políticas, etc. Se centra en la actividad y nada en su meditación. Considero es el mas riesgoso porque caigo en este dilema de que es considerado un happening y que no lo es. En todo caso, ¿producimos happenings a todas horas, a todo momento, cada día sin meditar sobre estos?
Es como decir de una forma mas sutil…todo es arte, o la vida es arte y creo desde un punto muy personal, si no hay un estudio, o una meditación previa sobre lo que vas a realizar, no se cuenta con un trasfondo para ser considerado una obra o un movimiento en si.

Hablando sobre eso, llego a otro punto en la lectura que me causo conflicto, es cierto que todo lo queremos encasillar y categorizar en que es arte y que no lo es, y eso esta mal, debido a que el arte es algo muy subjetivo, almenos esa es mi teoría.
Estoy de acuerdo en lo que se enfatiza, debemos de experimentar, la experimentación para un artista es si no, parte de lo mas importante en la creación de todo lo que hacemos.
Y también estoy de acuerdo en que debemos de romper este como ¨marco¨ invisible que nos limita a categorizar todo lo que vemos y estamos acostumbrados dentro de los parámetros del arte a juzgar como arte o no arte.
Algo que me pareció muy importante es esta limitación que siempre tenemos, el lienzo de tal medida blanco sobre el cual pintamos, el espacio interior-exterior cuando montamos una instalación, el bloque de tal peso y tamaño cuando realizamos una escultura, el marco marcado por el lente de una cámara al tomar una fotografía o tomar video.
Creo es la diferencia mas notable que siento en el happening, que al menos no va regido dentro de estos parámetros, es mas libre, pasa y se acaba, al menos no es encasillado dentro de estas normas.
En cierto modo lo considero de los actos mas sinceros, pero con cuidado y sin cruzar esa línea en el que se puede excusar.

Concluyo en enfatizar ese punto que nos da la lectura al final y en la cual se resume todo…debemos experimentar, romper, quebrar, ese marco y esas limitaciones que están ahí inconcientemente.

Allan_Kaprow_

Aquí les dejo algo de información sobre allan kaprow, el ¨padre¨ del happening, una breve sinopsis sobre su trayectoria:

Allan Kaprow se inicia en el campo de la pintura. A partir de 1952 abandona el expresionismo abstracto para pasar al collage, realizado con materiales diversos como papel de periódico, fotografías, telas, comida...

Más adelante realiza "ensamblages" de objetos diversos, realizados para unos espacios determinados. Cada vez el espectador va adquiriendo un papel más importante.

Los primeros happenings de Allan Kaprow tienen lugar en espacios fuera del circuito artístico:
- Apartamentos, almacenes, gimnasios, etc..lugares cotidianos
En 1970 pasó a llamarlos actividades. Sus obras se dedicaban a hacer perceptibles pequeños gestos cotidianos y a involucrar a los participantes, creando una especie de microeventos.

También les dejo un link de un video del happening ¨Entr'acte¨ :


http://www.youtube.com/watch?v=dwBdBcCsAsk

Paris_is_Burning

En la película Paris is burning el director Jeannie Livingstone, una persona blanca, judía, neoyorquina y de clase media-alta dirige un filme sobre transexuales, travestíes y trabajadoras sexuales de clase baja (en su mayoría chicanos, negros o white trash) participando como espectadores en actuaciones de Drag Queens.
El filme presenta los performances de género de estas Drag Queens no como una mera representación escénica, lo cual podria lograrse simplemente usando una peluca, sino como el resultado de un proceso de aprendizaje performativo muy determinado por una serie de condiciones personales, materiales y sociales.

Algo interesante y quizá lo mas importante de paris is burning e
s que no sólo hace un análisis del género, sino que además lleva a cabo una exploración, de las políticas de identidad en el mundo consumista, al mostrarnos los accesorios de las Drag Queens como productos de consumo que simbolizan todo un conjunto de roles económicos y políticos.

Les dejo un link sobre la pelicula, son 11 partes y de ahi pueden ver el 2,3,4 etc. :


http://www.youtube.com/watch?v=qCp99A2Cni0

Yves_Klein

Nacio en francia y es considero de los artistas mas importantes del movimiento Neo-dadaista.




Klein deseaba que sus obras se representaran por la huella que habían dejado: la imagen de su ausencia. El trabajo de Klein tiene referencias fuertes a los contextos teorícos/arte-históricos así como a la filosopía/metafísica y su trabajo de alguna forma ayudó a combinar todos ellos. El intento fue claro: empujó a la audiencia y al público en general a experimentar un estado donde una idea pudiera simultáneamente ser "sentida" así como "comprendida".

Algunos de sus performance mas conocidos son :
¨La Sculpture Aerostatique¨ en la que solto 1001 globos azules al cielo
¨Antropometrie à Champagne Première¨ en la que pinto y uso el cuerpo femenino para pintar.

y tambien se le conocen sus primeras obras que eran pinturas monocromaticas (vease la foto del cuadro azul titulada ¨ Azul Klein¨ ) que tenian el proposito principalmente de evocar lo infinito e inmaterial para estimular en el espectador sus capacidades perceptivas e imaginativas.

Limite_S

Una limitación física se puede lograr cuando se censura cualquiera de los cinco sentidos, en este caso la vista.
Al realizar mis actividades normales por una mañana vendado de los ojos, se censura este sentido y se convierte en un impedimento para la realización de mis actividades diarias.

La actividad fue llevada acabo durante un día de clases (Miércoles 13 de Febrero del 2008, de 7 a.m. a 2 p.m.) dentro de mi institución (CEDIM).

REFLEXION:

Al haber realizado y concluido la actividad, fueron muchas las reflexiones.

Comenzando con lo más obvio, el sentir frustración, ansiedad, y desubicación, a pesar de ser un lugar al que estoy familiarizado ya, después de tres semanas.
El sentimiento de estar perdido es enorme, y al perder la vista se agudizan los demás sentidos como lo es oído, el tacto y el olfato.
Aún sintiéndome desorientado en un principio, y el guiarme meramente por los sonidos de voces, comencé a sentirme con miedo. Miedo a tropezar, miedo a lastimarme, miedo a no saber si las demás personas me veían o no.
Entonces el miedo se volvió una limitante, puesto que éste me impedía moverme mucho de lugar para evitar alguna de estar cosas.
Debo mencionar cómo cambia el trato de las personas, por estar limitado a no ver; te tratan de otra manera, te dan un cierto trato mejor, de protección y cuidado, hasta un sentimiento de prácticamente, lástima. Esto lo sentí del trato que me dieron maestros y algunos compañeros.

Después de un tiempo en clase, intentando hacer cosas normales, porque en cierto modo estaba ¨discapacitado¨, el miedo o tensión comenzó a disminuir, pero a la medida que mis ganas de salir del salón, para hechos simples como ir por un cigarrillo, al baño o a la cafetería, crecían, la limitante de no poder ver, me restringía y prefería esperarme o no ir.

Algo que me pareció muy interesante fue el hecho de cómo al no poder ver lo que está pasando alrededor de ti, deja de importante lo que haces, es decir cómo estamos limitados a esas reglas sociales de comportamiento cuando hay alguien más ahí viéndote, puesto que no veía si estaban observándome o no, llegué a la conclusión que al no ver, rompes con esa limitante de ya no importarte y poder hacer cosas que no son socialmente bien visto, hurgarte la nariz, rascarse, hacer gestos, etc.
Entonces es como si el mismo hecho de tener vista se vuelve una limitante para estos.

T_he_touch_of_Soun_d

Hola, bienvenidos a este espacio en donde se hablara sobre el performance y varios trabajos de artistas relacionados con este acto, incluyendo los mios.

En de Touch of Sound, vemos a Evelyn Glennie,una mujer involucrada con la musica y los efectos de esta.
A pesar de no contar con el sentido del oido, ella es capaz de realizar musica y ¨escuchar¨ y sentir por asi decir, los sonidos y la musica.
Ya sea musica o sonidos creados por ella, o por otra gente, tiene un asombro increible por esta.
Lo que touch of sound nos enseña es simple...vivimos tan sumergidos dentro de nuestras propias vidas y en un mundo en donde todo es un caos de sonidos, imagenes, y sentidos,..comenzamos a perder la apreciacion de estos, sin darnos un momento de apreciar o conectarnos con nuestros propios sentidos.
Debemos dejar a un lado esa programación,..y comenzar a sentir, escuchar, ver y tocar mas alla de lo que ya esta.

Aqui les dejo el link de Evelyn Glennie, por si quieren checar mas de su trabajo, la mujer ha aparecido tambien en 60 minutes, the David Letterman show, Plaza Sesamo, entre otros.
chequenla:

http://www.evelyn.co.uk/live/short_biog.htm