Inside_the_White_Cube _ by Brian Doherty

Comienza con esta descripción de la galería y como su uso ha ido cambiando con el tiempo.
Duchamp comienza con esto de explotar el uso de la galería de formas no antes utilizadas, como en su obra 1,200 Bags of Coal en donde pone bolsas de carbón en el techo, utiliza el techo como si fuera el piso y viceversa.
Se cuestiona todo esto de si en realidad son 1,200 bolsas, es decir ¿quien asegura que no son menos? Sin embargo se cree esto.
Ya plantea la idea de la galería y jugar con esto. En otros ejemplos esta esto que hacia de jugar con los espectadores al crear como laberintos dentro de la misma galería al poner puertas hacia otros lugares y hacia el mismo lugar.
Después con una de sus obras con las que rompe y jode este sistema de la galería, el rol que juega el espectador y el acomodo de las obras es con su obra Mile String, en la que entrelaza y hace una telaraña con hilo por toda la galería, delimitando, marcando, bloqueando espacios.
Es como una burla hacia la burguesía, puesto que esta marca y acomoda el mismo arte. Vaya forma todo, el gobierno, la escuela, los mismos museos y el acomodo del arte que va dentro.
Limita al espectador, le marca lo que puede ver, hasta donde ver, como verlo.
Nos dice como la misma galería se vuelve este espacio creado y codificado perfectamente para dividir niveles sociales.
- La galería es exclusiva
- La galería es cara
- La galería es difícil de comprender

Se torna un espacio social, económico y de intelecto snob.
La burguesía se adueña de esto, del arte, del artista y del mismo espectador.

También se habla sobre esta relación del espectador y el artista, esta manera de encabronar al espectador, como lo que hizo Duchamp en Mile String y que en cierta manera el artista se ve obligado a hacer esto ¨picar¨ o jugar con el espectador y con ¨su espacio¨.

Después de esto en los sesentas y setentas, comienza a cambiar el espacio de la galería.
Iyves Klein comienza con esto de limpiar el espacio al grado de dejarlo como una clínica, tan limpia, tan vacía y realiza esta obra ¨The Void¨ en donde muestra la galería sola y blanca, desnuda.
Se muestra la galería en si como obra, después de esto se realiza una obra contradiciendo esto y sobrecargando el espacio con basura, saturándolo.
Esta obra es de Armand P.Arman ¨Le Plein¨.

La pintura v.s. la instalación. La pintura se vuelve se vuelve una ilusión en 2d, la instalación igual es una ilusión, pero en 3d.
La galería carga con ilusiones.

Perpecion_ (instalacion_performance)

Al haber intervenido en el espacio del campus Cedim, colgando por 3 horas un acrilico y pegarle pedazos de papel albanene y de plastico al acrilico, le pedia a las personas que pasaran sin hacer una selecion de estas especifica que me dibujaras atravez del acrilico, ya fuera en el papel o en el plastico.

Para este performance dependi de los objetos utilizados y de mi interaccion con el publico. En donde jugue con la percepcion de estas personas al dejar que libremente me dibujaran en la posicion que quisieran la parte superior de mi cuerpo.
Fueron alrededor de 35 dibujos y cada uno es mas diferente y unico.
Cada persona me dibuja con ciertos rasgos, algunos acentuando algunas caracteristicas de mi cara como el pelo, perforaciones, etc. y otros quitandolas, e incluso partes de mi cuerpo como lo son el cuello y el pecho.

Tambien deje libremente a las personas seleccionar el color con el que me dibujaban. Siendo los colores mas utilizados el negro y el azul, color con el que me asociaban mas.

Orlan_

Cuando la joven y brillante escritora Mary W. Shelley escribió dando vida -a sus 19 años- a este moderno prometeo: Frankenstein, estaba dándo(se) vida a ella misma en su otredad, al terrible monstruo de la diferencia (cualquiera que ésta sea) y al que la sociedad rechaza con horror de sí misma.

Estoy segurp que si alguna vez le hubiesen inquirido a Shelley sobre el modelo humano o mitológico en que se basó para escribir una de las historias más escalofriantes, hubiera contestado como Flaubert con su Madame Bovary: “Frankenstein soy yo”.

En el caso de Orlan, artista del performance, el “monstruo” es ella misma. Y ella misma “se da vida” a través de transformaciones performáticas donde su cuerpo es el espacio vital y entrañable para modelar(se), para reensamblar(se), para reconstruir(se), para diseñar(se) en libre albedrío, en contra de las imposiciones estéticas con que la sociedad de consumo nos tortura a las mujeres, a través de procesos dolorosos y humillantes que atentan contra nuestra salud física y mental.

Ejemplos de ello son, entre muchos otros, los famosos “corsés” que fracturaban costillas y dejaban sin aliento, o las fracturas de los pies de las chinas para que “cupieran” (chiquititos) en una mano masculina (sin importar el dejar baldadas a las muy “femeninas” dueñas de estas “preciosidades”) o las liposucciones y otras cirugías actuales de senos, de narices, de nalgas, de muslos, de orejas, de piel, cabello y ojos, para “colorearlos” y vernos cada vez más blancas, más rubias, más altas, más delgadas, con ojos claros (como de princesas imposibles), colonizando –para ello- a nuestros generosos cuerpos latinos a través de dietas que nos integren socialmente como mujeres que han “diseñado” su imagen y que son, por lo tanto, exitosas.

Hasta el presente, solamente podemos cambiar de apariencia; tal vez próximamente, con la manipulación genética, podremos cambiar totalmente y la metamorfosis ya no será un mito sino una realidad.


Orlan, trabaja con el arte corporal. Su obra implica una denuncia contra las presiones de una sociedad fetiche-consumista que impone arquetipos físicos de una estética "correcta" sobre el cuerpo. Ella ejecuta sobre su propia imagen una "puesta en escena", un performance de operación quirúrgica estética.


Orlan ha convertido su cuerpo en objeto de creación, a la búsqueda siempre de la denuncia y la provocación.


Orlan es transgresión y autodeterminación; cuerpo propio e identidad, han sido los principales motivos de la artista francesa. Fuga radical de la naturaleza en un acto subversivo que desmiente las diferencias de los sexos para desembocar en la androginia. La artista no acepta renunciar a nada, quiere convertirse en su propia madre y en su propio producto, demuele la frontera de los sexos, niega la falta, no hay carencia, ni muerte.

Marina_Abramovic

Marina Abramovic es una mujer comprometida, valiente y siempre desafiante.
Es una de las artistas que mejor ha sabido establecer una perfecta simbiosis entre el arte y la vida. Su trayectoria artística y su propia experiencia vital corren de la mano y son absolutamente inseparables. Su arriesgado e intenso trabajo en del performance y el body art, que practica desde la decada de los setenta, le han convertido en una de las artistas internacionales más significativas de las últimas décadas.

Marina se centra en el uso de su cuerpo y su mente, llevandolos al extremo y a situaciones en las que se encuentra al borde o al limite de su desgaste, en ocasiones con la ayuda de su pareja, utilizando su relación para realizar los performances. A través de sus performances, ha llegado a explorar con coraje y pasión los límites del dolor, la resistencia física y psíquica, llegando en alguna ocasión a poner en peligro su propia vida, el miedo, la incomunicación o la soledad, siempre en presencia de público, que ella considera como parte activa y necesaria de su obra.
En los últimos años, la artista ha producido sus acciones en vídeo para luego exhibirlas como videoinstalaciones, las cuales estan mas basadas en ¨teatro¨ o esta teatralidad.

James_Luna

James luna es un indígena y vive en la reservacion de La Jolla.
Luna considera que el arte de instalación y performance, que emplea una variedad de medios tales como objetos, vídeo, etc. ofrece una oportunidad única para los aborígenes para expresarse sin concesiones en las formas artísticas tradicionales de la ceremonia, la danza, las tradiciones orales, y el pensamiento contemporáneo. Sus instalaciones son como la transformación del espacio de la galería en un campo de batalla, en el que el público se confronta con la naturaleza de la identidad cultural, las tensiones generadas por el aislamiento cultural, y los peligros desde la perspectiva indígena.

Por el uso de objetos encontrados y usados, luna crea ambientes que funcionan como quejas tanto estéticas como políticas.

En sus performances e instalaciones, luna trabaja con la mitología del significado del indígena en la sociedad contemporánea en Estados Unidos y presenta esta hipocresía de la sociedad que somete a los indígenas como estereotipos románticos. El arte que produce luna es en parte provocador, pues se basa generalmente en los asuntos que afectan a las comunidades aborígenes, tales como los problemas socio-económicos, las adicciones, y los conflictos culturales. Luna nos muestra estos temas de manera directa, recurriendo al humor y a la sátira.
Algo que es interesante es que al contar con la participación del público en sus obras, luna desafía a los espectadores a que examinen sus propios prejuicios, se vuelve necesaria esta participación del publico.

Sick - Bob_flanegan

Bob Flanagan, nació enfermo de fibrosis cistica, la cual a pesar de ser una enfermedad considerada mortal y que deja a sus victimas vivir poco tiempo, a Bob Flanagan le permitio desde 1952 hasta 1996, dándole una vida promedio a pesar de su enfermedad.
Bob es un masoquista, y sus obras consisten en estos actos de el llevando al limite el dolor y el placer sexual que experimenta para expresar su forma de ver la vida.

Es interesante como en Sick podemos ver la forma de pensar, vivir y experimentar de este hombre con su cuerpo y esa energía sexual, ya que generalmente eso esta mal visto por la sociedad, el nos lo demuestra desde una perspectiva que aunque es cruda, es noble y sin perversiones ni mascaras a la vez.
Ademas, Bob cuenta con libros escritos por el, que narran sus experiencias sexuales, y el porque la relación de el hacia estos actos masoquistas.
Me pareció simplemente asombroso la forma en que este hombre rompe con estos tabues y paradigmas en la sociedad, y de como el defiende su forma de pensar y sentir, es decir tal vez para muchos les parezca grotesco o en contra de la religión incluso debido a esto de ¨lastimar tu propio cuerpo¨, pero como el mismo lo dice...¿que acaso Jesús no fue el primer masoquista famoso al ser crucificado?
El hombre cuente con un sentido del humor, que supongo ayudo en gran parte de su vida a poder manejar su enfermedad, y hablando de esta, el mismo hecho de como Bob, una persona ¨enferma¨, sin embargo realiza actividades físicamente riesgosas.
Es como una forma de aprender a manejar y manipular el dolor al grado de en lugar de sufrir, disfrutar de este, cosa que le ayudo para sobrellevar su enfermedad.

La relación con su esposa fue algo muy importante también, ya que ella lo ayudo en la mayoría de sus actos masoquistas, al dominarlo y compartir con el todo este proceso de su vida de placer y dolor al mismo tiempo.
Creo incluso que si no hubiera conocido a esta mujer, hubiera influido mucho también en su carrera y vida, ya que ella le dio un empuje a realizarlos.

Los dejo con el link a su poema en el que explica el porque de su masoquismo ¨WHY¨, que es totalmente grandioso.


http://www.youtube.com/watch?v=9f6V2LefAi4

Negacio_N (video_performance)

Con el hecho de ser humanos, somos limitados por muchas barreras, ya sean físicas, mentales o emocionales, entonces caemos en una negación propia de estas y seguimos insistiendo en cruzar esas barreras o ¨paredes¨ ante nosotros.
En muchos de los casos estas barreras nos desgastan, pero la misma negación nos bloquea a seguir insistiendo.

Al querer atravezar un muro de concreto que obstruía mi camino, no paso a un lado de este, ni lo ignoro, sigo en mi camino hasta causarme desgaste físico y mental.
Se vuelve una lucha además de lo material (construido por el mismo hombre, es decir nosotros mismos construimos en este caso ese muro de concreto, lo que nos bloquea) contra lo mental, puesto que físicamente no podía pasarlo y mi cuerpo se lastimo en intentarlo, pero mi mente insistía en pasarlo.